Richard Meier wurde im Oktober in Newark, New Jersey, geboren, 1934 in Newark, New Jersey. Er absolvierte die Cornell University in 1957 mit einem Bachelor of Architecture und arbeitete dann mit einer Reihe von Architekten, darunter Skidmore, Owings, Merrill und Marcel Breuer. Richard gründete seine eigene Praxis von Studenten unterstützt.

In seinen Gebäuden wird vor allem die Farbe Weiß verwendet. Seine Praxis umfasste Wohn- und Privathäuser, Museen, High-Tech- und medizinische Einrichtungen, Gewerbebauten und so wichtige Bürgerkommissionen wie Gerichtsgebäude und Rathäuser in den USA und in Europa: Zu seinen bekanntesten Projekten gehört das High Museum in Atlanta ; das Frankfurter Museum für dekorative Kunst in Deutschland; Hauptsitz von Canal + Television in Paris; das Hartford-Seminar in Connecticut; die Atheneun in New Harmony, Indiana, und das Bronx Developmental Center in New York. Alle diese wurden vom American Institute of Architects (AIA) mit dem National Honor Award ausgezeichnet.

In 1984 wurde Richard Meier mit dem Pritzker-Architekturpreis ausgezeichnet, der als höchste Auszeichnung des Feldes angesehen und oft mit dem Nobelpreis gleichgesetzt wurde. Im selben Jahr wurde Richard Meier als Architekt für den Auftrag ausgewählt, das neue Getty Center im Wert von 1 Milliarden US-Dollar in Los Angeles, Kalifornien, zu entwerfen.

Richard Meier hat seit dem Einstieg Richard Meiers in die Architektur eine spezifische und unveränderliche Haltung gegenüber der Gestaltung von Gebäuden bewahrt. Obwohl seine späteren Projekte eine deutliche Verfeinerung seiner früheren Projekte aufweisen, hat Richard Meier beide eindeutig auf der Grundlage derselben Designkonzepte verfasst. Mit bewundernswerter Konsequenz und Hingabe hat Richard Meier die Modetrends der modernen Architektur ignoriert und seine eigene Designphilosophie beibehalten. Richard Meier hat eine Reihe auffälliger, aber verwandter Designs entworfen. Richard Meier entwirft normalerweise weiße neokorbusianische Formen mit emaillierten Paneelen und Glas.

Diese Strukturen spielen normalerweise mit den linearen Beziehungen von Rampen und Handläufen. Obwohl alle einen ähnlichen Look haben, schafft Richard Meier es, endlose Variationen seines einzigartigen Themas zu generieren.

Richard Meier, die Hauptfigur der „New York Five“, zu der in der zweiten Hälfte der 1960er Jahre einige der Führer der postmodernen Bewegung gehörten - Peter Eisenman, John Hejduk, Michael Graves und Charles Gwathmey -, kreiert Entwürfe mit einem einheitlichen Thema, das auf neo-modernen Überzeugungen der puristischen Architektur basiert. Meiers weiße Skulpturen haben für die 1980er Jahre ein neues Designvokabular geschaffen.

Die drei wichtigsten Konzepte von Richard Meier sind Licht, Farbe und Ort. Seine Architektur zeigt, wie schlichte Geometrie, geschichtete Definition von Räumen und Licht- und Schattenwirkungen ihm erlauben, klare und nachvollziehbare Räume zu schaffen.

Das Hauptthema, auf das sich Richard Meier als Architekt konzentriert, ist das, was er als Placeness bezeichnet: „Was macht einen Raum zu einem Ort?“. Laut Richard Meier gibt es zehn Faktoren, die ein Gebäude mit seiner Umgebung verbinden, von denen einer oder mehrere vorhanden sein müssen, damit ein Raum ein Ort ist: Faktoren, die die Art des Seins verursachen; diejenigen, die die Präsenz des Gebäudes als eigenständiges Objekt betonen; Faktoren, die das Vorhandensein des Gebäudes in seiner gegebenen Umgebung betonen; diejenigen, die Fantasie und Spiel fördern; Faktoren, die ekstatischen Überschwang fördern; Faktoren, die ein Gefühl von Geheimnis und Abenteuer bewahren; Zutaten, die uns mit der Realität verbinden; diejenigen, die das Gebäude mit seiner Vergangenheit verbinden; den spontanen Austausch erleichtern; und die Identität der Menschen bestätigen.

Aufgrund dieser theoretischen Definitionen ist es interessant zu sehen, wie sich der Raum in Richard Meiers Architektur von einem rationalen Formenspiel in transzendentale, fundamentale Formen verwandelt, die von Landschaften umrahmt und in diese eingebettet sind. Insbesondere im Hinblick auf Erklärungen wie: „Orte sind Ziele oder Brennpunkte, an denen wir die bedeutungsvollen Ereignisse unserer Existenz erleben, aber es gibt auch Ausgangspunkte, an denen wir uns orientieren und die Umwelt in Besitz nehmen. Ein Ort ist etwas, das eine Vorstellung von Beständigkeit und Stabilität in uns hervorruft. “

Das Atheneum (1975-1979) ist ein Touristen- und Informationszentrum am Ufer des Wabash River am Rande der historischen Stadt New Harmony. Hier wird „Ortsgefühl“ durch eine Reihe von visuellen, physischen oder psychischen Erfahrungen erreicht, die allmählich eine Beziehung zur Vergangenheit herstellen, die durch die historische Stadt repräsentiert wird. Porzellanplatten, klares Glas, ein konstantes Spiel der Wandstärke, die Breite der Ausblicke, die Höhe der Säulen und Öffnungen, die miteinander verbunden sind, schaffen dynamische Fassaden, die sich je nach Innen- und Außenerfahrung des Gebäudes ändern.

Das Hartford-Priesterseminar für Theologie (1978-1981) in Connecticut ist ein relativ kleines Gebäude (3,000-Quadratmeter), das alle Funktionen des Campus umfasst, die ursprünglich auf verschiedene Gebäude verteilt waren: Kirche, Kongresssaal, Bibliothek, Buchhandlung, Klassenzimmer und Verwaltung. Ein Gebäude der Spiritualität, die integralen Werte und Eigenschaften von Raum und Licht werden ohne falsche Ansprüche ausgestrahlt. Als religiöse introversive Institution, die auch der Gemeinschaft dient, basiert das Gebäude auf einer feinen Trennung zwischen öffentlichem und privatem Raum.

Das gefilterte Licht, die klaren Formen und die expressionistischen Texturen tragen erfolgreich dazu bei, eine eher heilige Atmosphäre zu schaffen, ohne die Tugend der Offenheit zu stören.

Sein Weiß ist niemals weiß, da es durch die Kräfte der Natur einem ständigen Wandel unterworfen ist: dem Himmel, dem Wetter, der Vegetation, den Wolken und natürlich dem Licht. Dies wird im High Museum of Art in Atlanta (1980-1983) deutlich - ein Projekt, das in vielerlei Hinsicht zum Markenzeichen von Richard Meier geworden ist - eine klassische Manifestation seiner tiefen Treue zum Weißen. Eine Kombination aus asymmetrischen Kompositionen verschiedener Ebenen und Massen auf der Basis von transparenten geraden und krummlinigen Wänden bildet das Äußere des Gebäudes. Das Eingangsatrium an der Ecke eines der vier Cluster ist eine Hommage und ein Memorandum an das Guggenheim-Museum. Im Gegensatz zum Original ist in diesem Museum eine majestätische Rampe nur zwischen den verschiedenen Ebenen zugänglich, während die Atriumwände mit Fenstern versehen sind, um einen Blick auf die Stadt zu ermöglichen und natürliches Licht hereinzulassen.

Räumliche Klarheit und visuelle Vielfalt schaffen eine klare Raumhierarchie, die dem Gebäude trotz seines asymmetrischen Erscheinungsbildes einen „klassischen“ Ausdruck verleiht. Das klösterliche Weiß des Innenraums erhält die minimalistische Präsenz der Architektur in Bezug auf die Exponate aufrecht, während das natürliche Licht ein sich ständig veränderndes Interieur bewirkt.

Das Frankfurter Museum für dekorative Kunst (1979-1985) ist eine weitere Manifestation von Richard Meiers Sinn für historische Ordnung. Hier verwandelt Richard Meier den Plan einer Villa Melzer aus dem 19. Jahrhundert in einen öffentlichen Komplex, der die Verbindung mit dem einzigartigen historischen Kontext verstärkt. Der Plan besteht aus zwei geneigten Gittern und gleicht die Abweichungen des ursprünglichen Gebäudes zum Fluss aus.

Die Wahl von Richard Meiers hellem und weißem Schema entspricht dem offenen Charakter des Raumes. Im Gegensatz zur Verwendung von Licht in der klassischen oder Renaissance-Architektur wird in diesem Gebäude jedoch das spirituelle Beleuchtungsschema eines Barockcharakters übernommen. Auch hier wird die Beleuchtung nicht nur als visuelles Ereignis wahrgenommen, sondern als emotionales und sogar spirituelles Phänomen. Licht und Farbe heben nicht nur die strukturellen und funktionalen Eigenschaften des Gebäudes hervor, sondern rufen auch eine ästhetische Reaktion hervor, die eine einzigartige Atmosphäre schafft, die positive Emotionen hervorruft. So erhält der kontinuierliche Dialog zwischen dem Gebäude, seiner Umgebung und seinem wesentlichen Funktionalismus eine didaktische Bedeutung.

Das auf einem Hügel oberhalb von Santa Monica in Los Angeles gelegene Paul Getty Center (1984-1997) ist das umfassendste Werk von Richard Meier und dennoch ein Beweis für den endgültigen Niedergang der Postmoderne. Einige würden jedoch sagen, dass dieses protzige Projekt an die zeitlose Schönheit italienischer Villen und Gärten aus dem 16. Jahrhundert erinnert, vielleicht an die von Hadrians Villa in Tivoli.

Richard Meiers Materialwahl in diesem Komplex ist ziemlich untypisch. Obwohl die Struktur klar und entzifferbar ist, ist sie in der Planung komplex und übermäßig texturreich. Das Spiel von Volumen und Proportionen, das sich in der Kaskade von Terrassen und Balkonen, im Fluss von Rampen, Galerien, Arkaden und Treppen manifestiert, verwebt das Zusammenspiel von Natur und Architektur und spiegelt gleichzeitig die Affinität zur klassischen Architektur wider.

Man kann daher den Schluss ziehen, dass das Getty Center drei Schlüsselpunkte darstellt, die eine gute Architektur auszeichnen: Interaktion, Konsistenz und Einheit. Architekturqualität wird erlebt, wenn „Architektur über einen langen Zeitraum genutzt werden kann, wenn sie schön altert, originell, verständlich und einfach zu bedienen ist“.

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